TALKING WADE

Après avoir mis en scène 6 courts métrages entre 2009 et 2018, le réalisateur canadien Ian Tuason réalisait son premier long en 2025, Undertone. Présenté au Fantasia International Film Festival à Montreal, il est reparti avec une récompense et sa réputation a commencé à se propager sur les réseaux, laissant entendre que ce film horrifique proposait une approche innovante et s’avérait réellement flippant.

On va suivre Evy, une jeune femme vivant seule avec sa mère malade, et qui en parallèle gère un podcast dédié à l’étrange avec son ami Justin. Au début des années 2020, Ian Tuason a du mettre sa carrière en pause car il s’est occupé de ses parents, à qui on avait diagnostiqué un cancer. La situation d’Evy renvoie à celle qu’il avait vécu, la justesse et la sincérité des questionnements que la jeune femme se pose faisant écho à la propre histoire de Ian Tuson. Il ne fait pas dans le pathos mais se veut très réaliste dans l’évocation de cette situation, et on comprend qu’Evy a peu d’échappatoires.

Son podcast nommé Undertone, qui signifie littéralement « voix basse », fait partie de ces moments d’évasion où elle échappe à son quotidien, avec la complicité d’un ami qui n’est pas directement présent, mais avec qui elle communiquera uniquement à distance. L’actrice serbo-canadienne Nina Kiri va littéralement porter le film sur ses épaules, puisque le seul autre personnage que l’on verra est celui de sa mère, qui est tout le temps alitée et endormie (interprétée par la Canadienne Michèle Duquet). Vous avez peut-être croisée Nina Kiri dans The Handmaid’s Tale: la Servante Ecarlate dans le rôle d’Alma. L’actrice s’avère intense dans ce rôle pourtant assez minimaliste, et elle contribue à donner une belle solidité au récit de Ian Tuason.

Lors de l’élaboration de leur podcast, Evy et Justin sont amenés à écouter une série de fichiers audio dont ils ne connaissent ni la provenance ni le contenu au départ. On est typiquement dans un cas de lost media, ces médias retrouvés comme dans les récits en found footage, sauf qu’ici la particularité est qu’on s’intéresse surtout à l’audio. Le mystère que recèlent ces fichiers se transmettra uniquement par le son, ce qui ne va rien enlever au côté flippant du film! Il existe de nombreux podcasts de ce type sur internet, alimentés très souvent par des fictions, mais qui démontrent que le potentiel horrifique d’une histoire n’a pas toujours besoin d’images. Ca nous renvoie à l’excellent Anatomie de l’Horreur de Stephen King tiens lorsqu’il évoquait les récits radiophoniques des années 50!

Le récit glaçant auquel on va assister par le biais de ces fichiers audio va faire progressivement monter une vraie tension, et des répercussions semblent se faire sentir dans le quotidien d’Evy. Car si le stress est principalement dû au son dans ce film, Ian Tuason maîtrise vraiment sa mise en scène et génère aussi des impacts visuels bien marquants. La solitude de l’existence d’Evy avec sa mère mourante à l’étage dans cette vieille maison à la déco usée, Ian Tuason va parfaitement la faire ressortir en explorant l’architecture du lieu pour faire peser l’angoisse croissante sur les épaules d’Evy, et les jeux de miroir ainsi que le soin apporté aux éclairages permettent d’accentuer considérablement le stress créé par ces fichiers audio. La mère étant très croyante, Ian Tuason va beaucoup jouer avec l’iconographie religieuse, ce qui n’est pas sans rappeler le savoir-faire ibérique en la matière. Les images du Christ, les statues de la Vierge, ces éléments vont être mis en relation avec la situation difficile dans laquelle se trouve Evy, et vont jouer avec la notion de culpabilité inhérente au chirstianisme.

Le travail sur le son est évidemment primordial dans ce film, et c’est un réel plaisir de sentir la chair de poule monter peu à peu alors que visuellement on est en train de regarder une femme avec un casque sur les oreilles! On vit son propre stress à travers cette expérience, et cette distanciation s’avère paradoxalement très immersive. On est même à une distanciation au 3ème degré, puisqu’on suit une femme qui écoute une histoire que d’autres personnes ont vécu! Mais Undertone fonctionne pourtant vraiment bien, avec le palpitant qui commence à sérieusement accélérer au fur et à mesure de la découverte des éléments supplémentaires que cachent ces fichiers. Justin va les analyser et isoler certaines séquences, va mettre en lumière des éléments que l’on n’entendait pas à la première écoute, et on va peu à peu comprendre de quoi il s’agit…

Evy est la cartésienne du duo, mais les anomalies se déroulant parallèlement dans sa maison vont commencer à sérieusement remettre en cause ses certitudes… Encore une fois, Ian Tuason gère avec une très belle intelligence les deux strates de son récit. Les parties audio s’avèrent réellement flippantes grâce à des acteurs très impliqués, et la mise en scène dont il use à travers la maison d’Evy s’avère très judicieuse et instinctive. Je n’en dit volontairement pas trop car cette expérience est à découvrir par vous-mêmes! On pense à l’excellent Pontypool ou à A Night of Horror : Nightmare Radio, mais avec Undertone on est vraiment dans une approche très personnelle de la part de Ian Tuason. Le succès du film est phénoménal, car il a rapporté plus de 20 millions de dollars dans le monde pour un budget de… 500 000 dollars!!! Ca nous rappelle les belles oeuvres d’un certain Paranormal Activity… Et ça tombe très bien, puisque Ian Tuason a été embauché sur le 8ème volet de la saga!

Après avoir révélé l’impressionnant Tony Jaa avec Ong-Bak et L’Honneur du Dragon, Prachya Pinkaew s’est doté pour son troisième long métrage d’une athlète étonnante qui mérite largement d’être découverte. Agée de 24 ans lors du tournage du film (en 2008), JeeJa Yanin est une experte en taekwondo qui explose littéralement dans ce film thaïlandais violent et captivant.

Comme souvent dans les productions asiatiques, l’histoire de départ pêche par sa naïveté et sa légèreté. On se rappelle de la tête de statue que devait retrouver Tony Jaa dans Ong-Bak, ou encore de son éléphant capturé dans L’Honneur du Dragon. Mais si la trame scénaristique peut prêter à sourire, il faut reconnaître qu’elle n’est là que pour servir de base à un enchaînement de séquences de combats déments et de chorégraphies spectaculaires. Les scénaristes Napalee (déjà présent sur L’Honneur du Dragon) et Chukiat Sakveerakul (réalisateur d’un 13 beloved s’annonçant très prometteur) écrivent donc l’histoire d’une jeune autiste se passionnant pour les arts martiaux, et qui va tenter de récolter de l’argent pour payer les soins médicaux de sa mère. La jeune Zen possède des réflexes photographiques lui permettant de mémoriser et de maîtriser les mouvements qu’elle voit. Et comme elle se gave de films d’arts martiaux, vous imaginez la suite… Une sorte de version féminine du Taskmaster de Marvel donc, et un point de départ qui va s’avérer bien jouissif pour le reste du film…

Le réalisateur va jouer avec le mimétisme du personnage, qui parvient à s’adapter à ses adversaires de manière remarquable. Le combat (trop court) contre un combattant bourré de tics est à ce titre vraiment étonnant, et offre une approche originale à base d’arts martiaux et de danse hip-hop. Un passage vraiment intéressant, bénéficiant du savoir-faire de Panna Rittikrai en matière de chorégraphie, et dont on a déjà pu apprécier le travail dans les précédents opus de Prachya Pinkaew. L’autisme crée un rapport très particulier entre Zen et les arts martiaux, puisqu’elle les maîtrise instinctivement. Le jeu de la balle auquel la fait participer son jeune ami est caractéristique de l’approche ludique de Pinkaew, qui fait de Zen un personnage distant et pourtant attachant. La fragilité trompeuse de JeeJa Yanin accentue encore l’aura tragique de ce personnage, et tout est en place pour un film dévastateur.

La première scène de combat dans l’usine de glace évoque invariablement le Big Boss de Lo Wei, où Bruce Lee travaillait dans une usine similaire avant de se rebeller contre le méchant patron… Une scène en forme d’hommage musclé, mais qui se veut aussi prometteuse pour la suite de la carrière de JeeJa Yanin, puisque Big Boss est le film qui a révélé le petit Dragon… Et JeeJa fait honneur à son illustre prédécesseur en appliquant des chorégraphies ahurissantes que Pinkaew respecte grâce à une mise en scène rythmée et évitant un montage cut. JeeJa se donne à fond dans des scènes d’action virevoltantes et variées. La scène de combat sur la façade d’immeuble est déjà un classique, et le réalisme de sa violence n’a d’égal que les risques encourus par les acteurs (il faut voir le générique de fin pour comprendre l’investissement total de ces athlètes… ).

Prachya Pinkaew place ses séquences de combat dans des lieux aussi divers qu’un atelier de boucherie qui va donner lieu à quelques plans bien violents ou une grande salle-dojo à la Kill Bill, où Zen n’a rien à envier à Uma Thurman… Chocolate est un régal bien jouissif, s’affranchissant rapidement d’un point de départ basique pour offrir des scènes tout simplement inédites et fracassantes. JeeJa Yanin, un nom à retenir…